“L’amico del popolo”, 17 aprile 2018

Un film al giorno

LIBERA, AMORE MIO! (Italia, 1973), regia di Mauro Bolognini. Sceneggiatura: Mauro Bolognini, Nicola Badalucco, Luciano Vincenzoni. Fotografia: Franco Di Giacomo. Montaggio: Nino Baragli. Musiche: Ennio Morricone Con: Tullio Altamura, Claudia Cardinale, Adolfo Celi, Bruno Cirino, Luigi Diberti, Bekim Fehmiu, Philippe Leroy, Rosalba Neri.

Zanoni Matteo vive a Roma insieme a Libera-Anarchia Valente, dalla quale ha avuto due figli: Carlo e Anna. La donna, figlia di un anarchico esiliato a Ustica dal fascismo, non è capace di tacere e, prima di finire a sua volta al confino per cinque anni, si fa spedire con la famigliola a Livorno e poi a Modena, ove viene presa di mira dal commissario politico Franco Testa. Scoppiata la guerra, Matteo cerca di tirare avanti in qualche modo trasferendosi a Padova. Carlo fattosi giovincello, milita nella Resistenza; Libera fornisce armi ai partigiani. Diversi compagni muoiono nelle rappresaglie o nelle sommarie e brutali esecuzioni dei nazifascisti. Finita la guerra, Carlo stesso libera la mamma dalla prigione padovana ove è finita. Ricostruita la famigliola, Libera scopre che il Testa siede nuovamente nell'ufficio alloggi del municipio. Sollevate inutili proteste, ella cade per strada sotto i colpi di un cecchino fascista.

“Capita a volte, all'interno di filmografie vaste di registi interessanti quali appunto Mauro Bolognini, di imbattersi in quei titoli a dir poco non fondamentali, lievemente stridenti con i canoni dei propri autori: Libera, amore mio rientra appunto in questa categoria. Rievocazione superficiale - seppur appassionata - degli anni della resistenza, il film (girato nel 1973, ma rimasto nel cassetto sino al 1975 perché scomodo sia alla destra che alla sinistra) è innanzitutto un atto d'amore, una dichiarazione di sottomissione completa e definitiva, ed è forse questa la chiave di lettura più funzionale alla visione. Atto d'amore, dicevamo, nei confronti di un corpo e di una donna, quella Claudia Cardinale che con il suo abbigliamento rosso fuoco attraversa tutta la pellicola contagiandola con la sua dirompenza e la sua forza d'animo: parzialmente ispirata alla figura della madre dello sceneggiatore Luciano Vincenzoni, Libera, figlia di un anarchico in confino, è una donna forte e determinata che non si piega alle volontà del regime fascista, causando per questo motivo non pochi problemi al marito e ai due figli. Tutto ruota intorno al suo personaggio, quindi ci interessa fino a un certo punto gli eventi narrati, troppi, si susseguano in maniera frenetica, senza mai dare la possibilità di soffermarsi sul qui, ora: lo spettatore è preso per mano da Libera e spetta a lui starle dietro in tutti i suoi pellegrinaggi e disavventure; anche quando, nella seconda parte, i toni virano sempre più verso la tragedia e la pellicola comincia ad imbarcare acqua. Il film fallisce perché i suoi personaggi non riescono mai ad entrare nella memoria, al punto che alcuni si riducono a mere macchiette nonostante l'alta professionalità del cast: da Adolfo Celi a Philippe Leroy, magnifici interpreti soffocati però da una scrittura eccessivamente epidermica. Quello che rimane, comunque, è la rappresentazione di un popolo e di una forza interiore, rievocati con gusto nostalgico e partecipe: Libera, amore mio è l'Italia che fu, l'Italia che oggi forse abbiamo dimenticato e che sarebbe bene celebrare più spesso”.

(Giacomo Calzoni in www.sentieriselvaggi.it)

“Ci sono più idee nel fucile di un brigante che nella testa di un democratico”. Ora, immaginate che vostro padre vi cresca con frasi come questa e che abbia la faccia, la voce e la presenza di Adolfo Celi. Immaginate anche che vi abbia chiamato Libera, anzi nome completo: Libera Amore Anarchia. Così, tanto per essere chiari. Infine, immaginate che, cresciute così, vi ritroviate in pieno ventennio fascista, con squadre di picchiatori che girano la mattina del primo maggio, gente vestita tutta uguale, saluti romani e bambini che a scuola studiano la biografia di Mussolini.
“Libera amore mio” è un film di Mauro Bolognini del 1975 che racconta la storia di una giovane anarchica, interpretata dalla bellissima Claudia Cardinale. Figlia di un anarchico che ha passato metà vita in galera e l’altra metà al confino, Libera è cresciuta come una rivoluzionaria, anche se cerca di condurre una vita che per comodità definiremo normale. Cioè fa la mamma, la moglie e la casalinga. “Ma come posso fare la casalinga quando fuori c’è la gente che combatte?” si chiede.
Tutto il film ruota attorno a questa difficoltà: come può una rivoluzionaria avere una famiglia? Come si può coniugare l’amore e la rivoluzione? Perché se è vero che la rivoluzione non è un pranzo di gala, anche il rapporto di coppia non è mica una passeggiata.
In un certo senso il vero protagonista della storia è suo marito Matteo, che la ama incondizionatamente. Non a caso il titolo è “Libera amore mio”, una frase che il bravissimo Bruno Cirino – che interpreta il marito di Libera – ripete più volte durante il film. A causa delle sue idee infatti Libera e famiglia vengono cacciati di città in città, finché non si fermano a Modena.
Ma anche nella tranquilla e sonnecchiante Modena (fino a un certo punto: assistiamo a una fucilazione in Piazza Grande), Libera si scontra con i fascisti e viene mandata al confino. Il marito più volte dice “basta, non ne posso più” ma i due ritornano sempre insieme. Lui la raggiungerà perfino su un terreno di battaglia tra partigiani e nazisti, senza nemmeno accorgersi delle pallottole, accecato com’è dall’amore. Quando tutto sembra finito, colpo di scena.
Il film venne girato nel 1973 ma uscì solo due anni dopo per problemi con la censura. Ovviamente problemi di tipo politico. Non piaceva a destra, ma nemmeno tanto a sinistra, visto che metteva in luce le contraddizioni di entrambe le parti.

(Martino Pinna in www.notemodenesi.it)

“Libera, amore mio è stato un film a lungo ingiustamente sottovalutato rispetto ad altri film di tema resistenziale. E invece, a rivederlo dopo anni, conserva una sua freschezza e modernità di toni magari sconosciute ad altri film più celebrati e meglio ricordati. E’ la storia di una anarchica (una splendida Claudia Cardinale veramente ben calata nella sua parte), segnata da episodi negativi relativi al padre anarchico perseguitato dai fascisti, che porta avanti la sua battaglia privata contro gli abusi del regime, trovandosi spesso incautamente nei guai, ma senza mai tirarsi indietro. Tra l’altro Libera aveva partecipato attivamente alla Resistenza aiutando molti fuggitivi e rischiando di persona. Sarà a sua volta condannata al confino ad Ustica (proprio come era accaduto al padre) ove il fedelissimo compagno, il sarto Matteo (un ispirato Bruno Cirino), decise di sposarla, dopo aver pienamente maturato la propria coscienza democratica. Caduto il fascismo, Libera saluta con gioia la libertà, ma quando va a chiedere una nuova casa al commissariato alloggi scopre che ne è responsabile proprio l’ex fascista che l’ha perseguitata.
Ancora un finale (anzi in questo caso un pre-finale) che indugia polemicamente sul tema del riciclaggio di loschi figuri del fascismo all’interno del nuovo assetto democratico dell’Italia, proprio come in “La lunga notte del ’43” di Florestano Vancini, ma forse con un piglio ulteriormente polemico e protestatario. Non a caso il film di Bolognini fu osteggiato per questo motivo da una parte della sinistra ufficiale, oltre che naturalmente dalla destra e perciò ebbe serie vicissitudini con la censura “ideologica”, che ne impedì e poi ritardò di circa due anni l’uscita nelle sale dal 1973 al 1975. Si può giudicare come uno dei film più politici di Bolognini e certamente una delle opere più consapevoli del regista pistoiese, che non indietreggia di fronte ad una analisi anche scomoda e impopolare del trapasso dal regime fascista a quello democratico, con tutte le contraddizioni che ne derivano.
La rivalutazione di questo film risale al 1999, allorché la pellicola fu completamente recuperata e tale operazione fu accompagnata dalla pubblicazione, a cura di Pier Marco De Santi, di un volume monografico interamente dedicato al film. La successiva fondazione del “Centro Mauro Bolognini” ha portato, nel 2010 ad una giornata di celebrazione del Regista con la proiezione di un suo film, e la scelta è caduta proprio su “Libera, amore mio”, nel quadro di un ripensamento collettivo di quest’opera decisamente da rivalutare. Tale rivalutazione è tutt’ora in atto e la nostra scelta di offrirla ai nostri amici in occasione della odierna ricorrenza del 25 aprile, nel quadro della rassegna di film on-line, “Viaggio nel cinema italiano”, in cui è da tempo impegnata la nostra organizzazione “Rive Gauche-ArteCinema” vuole contribuire a tale rivalutazione, dando ragione alla entusiastica accoglienza che diede a questo film un grande del cinema italiano, Luchino Visconti, che, dopo aver visto il film, scrisse così a Bolognini: “Caro Mauro ieri ho avuto il privilegio di vedere con Franco Cristaldi et Claudia il tuo Libera amore mio stop Sento il bisogno irresistibile di dirti quanto il film mi sia piaciuto et quanto lo trovi bello impegnato forte et valido stop Sarebbe un vero delitto se questo film non dovesse uscire at parte il tuo merito per aver girato impeccabilmente una storia così affascinante et convincente non est bisogno di aggiungere la perfettissima ambientazione di Piero come sempre meravigliosa stop Aggiungo l’interpretazione di Claudia di primissimo ordine come non l’ho mai veduta stop Sono veramente entusiasta et commosso di questo tuo lavoro et ti abbraccio Luchino”. Telegramma di Luchino Visconti a Mauro Bolognini del 24 Febbraio 1975 (in BERENICE, Bolognini - Percorsi della memoria, Pistoia, Comune di Pistoia - Cassa di Risparmio di Pistoia e Pescia, 1993, p. 28)”

(Marino Demata)

Il 17 aprile 1981 moriva Bruno Cirino, all'anagrafe Bruno Cirino Pomicino (Napoli, 25 ottobre 1936 - Vercelli, 17 aprile 1981), grande attore italiano.

• Il film: Libera, Amore Mio! (Film completo)

Una poesia al giorno

Chi ingrato mi lascia, cerco amante... di Juana Inés de la Cruz, nata come Juana de Asbaje y Ramírez de Santillana.

Al que ingrato me deja, busco amante;
al que amante me sigue, dejo ingrata;
constante adoro a quien mi amor maltrata;
maltrato a quien mi amor busca constante.
Al que trato de amor, hallo diamante,
y soy diamante al que de amor me trata;
triunfante quiero ver al que me mata,
y mato al que me quiere ver triunfante.
Si a éste pago, padece mi deseo;
si ruego a aquél, mi pundonor enojo:
de entrambos modos infeliz me veo.
Pero yo, por mejor partido, escojo
de quien no quiero, ser violento empleo,
que, de quien no me quiere, vil despojo.

Chi ingrato mi lascia, cerco amante;
l'amante che mi segue, lascio, ingrata;
fedele adoro chi il mio amor maltratta;
maltratto chi il mio amor cerca fedele.
Chi tratto con amor per me é diamante,
sono diamante per chi con amor mi tratta;
trionfante voglio vedere chi mi ammazza,
e ammazzo chi mi vuol veder trionfante.
Soffre il mio desiderio se a questo cedo:
se l'altro imploro, il mio puntiglio oltraggio;
infelice in entrambi i modi mi vedo.
Ma per mio buon profitto sempre mi ingaggio
a essere, di chi non amo, schivo arredo,
che, di chi non mi ama, vile oltraggio.

“Juana Inés si distingue fin dall’infanzia per la precocità intellettuale, la determinazione e il desiderio di conoscenza: a tre anni impara a leggere e scrivere; non mangia formaggio poiché convinta che ritardi l’attività mentale; si taglia i capelli ogni volta che non ha raggiunto un obiettivo di studio. Nel 1655, trasferitasi con la famiglia nella tenuta del nonno paterno, Juana Inés ha accesso alla ricca biblioteca di lui: un rifugio che la isola anche dalle turbolenze familiari.
Dopo la morte del nonno (1656) viene mandata a vivere presso alcuni parenti a Città del Messico. Nonostante la solitudine la bambina trova consolazione nello studio cui si applica con impegno e dedizione. Genialità e cultura sempre più vasta fanno di Juana Inés una presenza ingombrante. Nel 1660 gli zii materni decidono di presentare a corte la nipote. Favorevolmente colpita dall’intelligenza e dalla grazia di Juana Inés, Leonor Carreto, marchesa di Mancera e consorte del viceré, la nomina “beniamina della signora viceregina”.
La vita di corte è determinante per la giovane Juana Inés nell’acquisizione di modelli e comportamenti che sempre influenzeranno la sua vita, il suo stile, le sue relazioni.
il 14 agosto 1667 entra come novizia nell’ordine delle Carmelitane Scalze. Lascerà il convento solo tre mesi dopo, incapace di sopportare il rigore della disciplina imposta dall’ordine. Solo presso il convento di San Jéronimo, meno rigido nelle regole, Suor Juana Inés de la Cruz (così cambia il suo nome) trova collocazione definitiva.
È il 1672 quando si ammala di tifo, ma riesce a sopravvivere, restando sempre cagionevole nella salute. Due anni dopo muore la marchesa Leonor Carreto: la monaca scrive tre sonetti funebri in suo omaggio. Scrive anche i testi del Neptuno Alégorico (1680), che andranno a completare l’arco trionfale eretto in onore dell’arrivo dei vicereali, il marchese de la Laguna, Tomas de la Cerda e la marchesa Maria Luisa Manrique de Lara. Con quest’ultima la monaca stringe un’amicizia particolare e intensa che molti definiranno amorosa.
L’importanza della propria produzione è tale che con la lettera Autodefensa Spiritual Suor Juana licenzia il suo confessore, padre Antonio Nuñez de Miranda, che la osteggia nella sua attività di letterata, cercando di indurla a rinunciarvi. Nel 1685 scrive il poemetto Primero Sueño: è l’unica opera non commissionata della monaca-poetessa, un’originale descrizione onirica che racconta il libero viaggio dell’anima, sola e disillusa (l’anima di Suor Juana), verso un aldilà che si dissolve non appena raggiunto.
Il 1688 è un anno decisivo e difficile. Muore la madre, Isabel Ramìrez, e scade il mandato vicereale: Maria Luisa Manrique torna in Spagna con il marito. Suor Juana perde una preziosa amica e al contempo la protezione che l’ha messa al riparo dai suoi persecutori, tra cui l’arcivescovo Aguiar y Seijas.
Grazie a Maria Luisa Manrique, viene pubblicato in Spagna (1689) il primo volume delle sue opere Inundación Castalida. Lo scritto raggiunge nove edizioni in breve tempo facendo conoscere la monaca-poetessa in tutta la Spagna.
Nel 1690, a Puebla, a spese dell’arcivescovo Manuel Fernandez de Santa Cruz, viene pubblicato Carta Atenagórica. È l’unica opera puramente teologica di Suor Juana la quale confuta uno dei sermoni del famosissimo predicatore gesuita Antonio Vieyra. Una lettera di monito, carica di elogi e rimproveri, del vescovo di Puebla - protetto dallo pseudonimo di Suor Filotea - precedeva la Carta Atenagórica. Suor Juana risponde a questa lettera dopo tre lunghi mesi di sofferta riflessione. La Risposta a Suor Filotea si caratterizza subito come un’apologia che la monaca fa di se stessa, difendendo e giustificando strenuamente le proprie scelte, la propria vita, l’innato talento.
In seguito a un mutato scenario, che vede il potere religioso rivalersi su quello politico, Suor Juana, perde la protezione aristocratica, e resta in balìa del suo peggior nemico, il vescovo Aguiar y Seijas, desideroso di punire la sua arditezza e umiliare il suo talento. È il 1693 quando Suor Juana richiama presso di sé il padre confessore Antonio Nuñez de Miranda. Quest’ultimo, si dimostra ora inflessibile e crudele: il perdono è una grazia possibile solo dopo la rinuncia alle lettere.
Suor Juana presenta diversi umilianti documenti (1694) attestanti la sua rinuncia all’attività di letterata. È inoltre costretta a consegnare tutti i libri e gli strumenti musicali e scientifici ricevuti in dono all’arcivescovo Aguiar y Seijas, perché li venda devolvendo il ricavato ai poveri. Atterrita e psicologicamente annientata Suor Juana inizia a castigare il proprio corpo con cilici e flagelli.
Nel 1695 un’epidemia di natura sconosciuta colpisce improvvisamente Città del Messico causando ovunque una terribile mortalità. Nel convento di San Jerònimo nove monache su dieci restano uccise. Anche Suor Juana contrae la malattia ma fino alla morte, il 17 aprile, alle cinque del mattino, si prende cura delle consorelle con generosità e compassione.
Suor Juana è una delle più importanti fonti religiose femminili, e merita un atteggiamento di grande sensibilità interpretativa. Affermò con l’esempio della Bibbia (la giudice Debora, le regine Saba ed Ester, la profetessa Abigaele) il diritto delle donne allo studio delle sacre Scritture e a costruirsi un’identità più consona alle esigenze della propria spiritualità e cultura”.

(Francesca Zinetti in www.enciclopediadelledonne.it)

Immagini: Sor Juana Inés de la Cruz, la peor de todas

Un film: “Yo, la peor de todas.Peli” (Io, il peggio di tutti), di María Luisa Bemberg, con Assumpta Serna, Dominique Sanda, Héctor Alterio, Lautaro Murú. Argentina, 1990. Opera ispirata al saggio "Le trappole della fede", di Octavio Paz.

17 aprile 1695 muore Juana Inés de la Cruz, poetessa e studiosa messicana (nata nel 1651)

Un fatto al giorno

17 aprile 1797: i cittadini di Verona iniziano una infruttuosa ribellione di otto giorni contro le forze di occupazione francesi.

“Le Pasque veronesi furono un episodio di insurrezione della città di Verona e dei suoi dintorni contro le truppe di occupazione francesi, comandate dal generale Napoleone Bonaparte. Furono così chiamate anche per assonanza con i Vespri siciliani. La rivolta, scoppiata per via dell'oppressione francese in città (durante il loro soggiorno a Verona vi furono confische di beni ai cittadini e complotti per tentare di rovesciare l'amministrazione locale) iniziò la mattina del 17 aprile 1797, Lunedì dell'Angelo: la popolazione esasperata riuscì a mettere fuori combattimento più di mille soldati francesi, soprattutto nelle prime ore della battaglia, mentre i militi francesi cercavano di rifugiarsi nei castelli della città, successivamente presi d'assalto. L'insurrezione terminò il 25 aprile 1797 con l'accerchiamento della città da parte di 15.000 soldati: le conseguenze immediate a cui la città e i cittadini dovettero far fronte furono le condanne a morte e a pene detentive per i protagonisti dell'insurrezione, la deportazione in Francia di 2.500 combattenti, il pagamento di ingenti somme e le razzie di beni e di opere d'arte, ancor oggi nei musei francesi.
Le Pasque veronesi furono un episodio del più vasto movimento delle insorgenze antifrancesi e antigiacobine, che scoppiarono in tutta la penisola italiana dal 1796 al 1814, assieme alla lotta dell'Armata della Santa Fede che, guidata dal cardinale Ruffo, riuscì nella riconquista del regno di Napoli, le azioni delle bande Viva Maria in Toscana e Liguria, e le vittorie di Andreas Hofer in Trentino e Alto Adige. Questi moti furono numerosi, si trattò quindi di un fenomeno vasto: le stime, da parte di storici di area cattolica, parlano di almeno 280.000 insorti e 70.000 morti.
Queste rivolte contro la dominazione francese, secondo la storiografia di parte cattolica italiana, ebbero come principale miccia la politica religiosa francese di ispirazione giacobina, contraria dunque ai valori sentiti come fondamentali dalla componente più legata alla Chiesa cattolica nella società italiana di quel periodo, legata alla influente presenza attiva, anche in ambito civile, della Chiesa cattolica...”

(Articolo completo in: it.wikipedia.org)

Una frase al giorno

“Uno dei vantaggi del servizio militare, è che ti mette in contatto quotidiano con persone al di fuori del campo letterario, coloro che hanno letto solo un libro nella vita, L'isola del tesoro, e l'hanno dimenticato”.

(Thornton Niven Wilder, Madison, 17 aprile 1897 - Hamden, 7 dicembre 1975)

Thornton Niven Wilder è stato uno scrittore e drammaturgo statunitense. Ricevette tre premi Pulitzer: uno per il romanzo Il ponte di San Luis Rey e due per le commedie Piccola città e La famiglia Antrobus; inoltre ottenne il National Book Award per il romanzo The Eighth Day.

Immagini:

• Lilli Palmer interviews Thornton Wilder, in 1952
• L’attrice Nazimova in: "The Bridge of San Luis Rey"

Un film: “Our Town”, 1940, di Sam Wood

Un brano al giorno

Gianni Raimondi, tenore, dal Gugliemo Tell canta “Non mi lasciare”. Recitativo, Aria e Cabaletta (live 1966)

«Il ricordo di Gustavo Marchesi. "Gianni Raimondi (Bologna, 17 aprile 1923 - Pianoro, 19 ottobre 2008) è uscito di scena ieri a Bologna. Il grande tenore era nato nella città delle Due Torri nel 1923. Aveva soggiornato per qualche tempo anche nelle vicinanze di Parma, dove gli appassionati dell'opera lo tenevano nella maggiore considerazione e amicizia. Al Regio aveva cantato per cinque stagioni, nell'ultima delle quali, 1965-66, in Bohème, dove lo ammirai con indicibile soddisfazione.
Dico addio a Gianni e non vorrei perdermi in debolezze sentimentali. Lui non le avrebbe volute, la sua schiettezza, che mi colpì come un fiotto di luce limpida nelle recite del capolavoro, deve rimanere come il solo ricordo, affiancato ora al centenario pucciniano. Il suo Rodolfo veniva da una esperienza straordinaria a contatto con Karajan l'anno prima, a Monaco e a Mosca. Un personaggio rivitalizzato che Puccini avrebbe preso come un regalo. Le parole che scrissi allora, nel mio servizio di cronista, le riporto per omaggio alla sua memoria, uno dei cantanti che mi riportò al Quartiere Latino della gioventù, in scena, e con la pura musica.
"A capo di tutto lo spettacolo Gianni Raimondi, che ha rovesciato le parti in causa non autorizzando più lo spettatore a ritenerlo un succube di Mimì. Il mammismo è finito. Dietro la musicalissima, moderna, libera, elegante scia del tenore non rimane che il pulviscolo di neve e coriandoli. Convincente fin dal primo apparire, anticonvenzionale e antiretorico con le sue mani in tasca, riesce a persuadere scenicamente anche quando il gusto trasandato della routine vorrebbe forse che Rodolfo avesse qualche mossetta più passionale, qualche accento più esangue e manierato.
Perché è un artista e gli artisti si distinguono. A noi non importa che la tessitura sopra il rigo qualche volta pieghi a certi pericoli, che qualche appunto di gusto "vocale" gli si possa mettere davanti, come dicono già i testi che d'altronde lo consacrano ormai fra le grandi voci del secolo. A noi importa che la gigioneria e la falsità del genere melodrammatico, come ci viene propinato da coloro che non sanno cosa vibri di puro entro quelle simmetrie di cartapesta, a noi importa che questo una volta tanto venga meno, per sbarrare le porte poi, una volta per tutte, al teatro delle gole scoperte, della carne ululante in scena, dei caroselli sportivi dove il principio dell'idea viene umiliato dalle più basse pretese di esibizionismo personale. Se poi, come nel caso di Raimondi, il cielo delle ugole viene in aiuto, sia ringraziata l'arte che è dono degli uomini di libero spirito".»

(In www.operaclick.com)

Ugo Brusaporco

Laureato all’Università di Bologna, Facoltà di Lettere e Filosofia, corso di laurea Dams. E’ stato aiuto regista per documentari storici e autore di alcuni video e film. E’ direttore artistico dello storico Cine Club Verona. Collabora con i quotidiani L’Arena, Il Giornale di Vicenza, Brescia Oggi, e lo svizzero La Regione Ticino. Scrive di cinema sul settimanale La Turia di Valencia (Spagna), e su Quaderni di Cinema Sud e Cinema Società. Responsabile e ideatore di alcuni Festival sul cinema. Nel 1991 fonda e dirige il Garda Film Festival, nel 1994 Le Arti al Cinema, nel 1995 il San Giò Video Festival. Ha tenuto lezioni sul cinema sperimentale alle Università di Verona e di Padova. È stato in Giuria al Festival di Locarno, in Svizzera, e di Lleida, in Spagna. Ha fondato un premio Internazionale, il Boccalino, al Festival di Locarno, uno, il Bisato d’Oro, alla Mostra di Venezia, e il prestigioso Giuseppe Becce Award al Festival di Berlino.

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Ugo Brusaporco

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